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Teatro de Cámara de Madrid

Teatro
de Cámara de Madrid

Teatro de Cámara de Madrid (TCM). Unidad de prácticas escénicas perteneciente a la Fundación de la Danza Alicia Alonso, dirigida a estudiantes de teatro que cursan estudios de grado, posgrado y doctorado, ofreciéndoles prácticas en un entorno profesional. 

COMPAÑÍA DE INVESTIGACIÓN TEATRAL APOYADA POR LA PRIMMA BALLERINA ASSOLUTA ALICIA ALONSO

La Compañía «Teatro de Cámara de Madrid» pertenece a la Fundación de la Danza Alicia Alonso, en ella, los alumnos del IUDAA-URJC realizan sus prácticas escénicas. 

La compañía promociona sus mejores proyectos teatrales en diferentes espacios escénicos nacionales e internacionales, así como en el marco de festivales y eventos como la Red para la Educación Superior en Artes Escénicas del ITI/UNESCO, Red de Universidades de la Cátedra Unitwin, Academia de las Artes Escénicas de España (AA.EE), proyectos de la UNESCO/iTi Spain como Genuis Loci, entre otros. Sus integrantes han sido formados y dirigidos por directores y docentes del IUDAA, con relevante experiencia en la escena teatral actual.

TCM

Desde el último año de estudios, alumnos del Grado en Artes Visuales y Danza, con mención en Danza Teatro, y hasta dos años posteriores a su graduación, los intérpretes más relevantes forman parte del reparto de la compañía.

Formación/ Investigación y creación

El Teatro de Cámara de Madrid es un espacio abierto a la creación en un entorno multidisciplinar  y académico, dedicado a la formación y  la investigación del teatro físico, sus técnicas y procesos creativos.

Profesores de la Compañía: Liuba Cid/ Javier Otero/ Rey Montesinos/ Miriam Lorenzo González.

Ficha técnica artística →

Los espectáculos del TCM se han presentado en festivales como “Segovia en Danza” o el “Certamen de Teatro Joven de Salamanca”, donde ha sido galardonados en dos ocasiones con el 1er Premio a “Mejor puesta en escena”.

Teatro físico e investigación

La creación y la experimentalidad, nuestro motor de trabajo.

El Verbo brota del sueño como una flor o como un vaso lleno de formas y de humos.

Antonin Artaud
Poeta, dramaturgo, director de escena y actor frances.

TEATRO DE CÁMARA DE MADRID

Danza-Teatro (Teatro físico)

Investigación y creación escénica.

TEATRO DE CÁMARA DE MADRID

¡Sube a escena con nosotros!

Investigar, crear, transformar.

Funcionamiento

Áreas de trabajo

El funcionamiento de la compañía se organiza mediante el reparto de funciones básicas que abarcan la gestión, producción, creación y funcionamiento artístico, mecanismos propios de una compañía profesional.

Representaciones escénicas

El Teatro de Cámara de Madrid realiza una decena de representaciones, galas y actividades anuales, gracias a su vinculación con la Red de Teatros de España, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el iTi Spain, entre otras instituciones.

Repertorio

El repertorio del TCM incorpora textos clásicos y contemporáneos. El objetivo es trabajar desde una perspectiva histórica completa, compleja y multidisciplinar, que aborde metodologías  y teorías teatrales de referencia.

Proyectos multidisciplinares

El Teatro de Cámara de Madrid trabaja en la investigación de los lenguajes escénicos reflexionando desde el cuerpo, con una visión multidisciplinar y transversal, en un contexto de hibridación e integración de las artes como práctica artística participativa. 

Noticias del Teatro de Cámara de Madrid

Próximas presentaciones

  • Quixote Party, espectáculo del TCM dentro de la programación oficial del proyecto del iTi y el Piccolo Teatro de Milán Theatre in and Beyond the Time of COVID-19. Estreno 14 de julio de 2020 a las 19.30 h.

    Quixote Party. Proyecto ITI/UNESCO Network for Higher Education in the Performing Arts
    Piccolo Teatro de Milán (Retransmisión en diferido)
  • Proyecto de colaboración entre el IUDAA y la Academia de las Artes Escénicas de España (AA.EE). Los alumnos trabajan con un dramaturgo/académico, en un taller-seminario, que culmina con una representación y charla final de la obra seleccionada. Fecha: enero-marzo.

    Lecturas dramatizadas de la Academia
    IUDAA/ AA.EE
  • Evento de carácter anual en colaboración con el Círculo de Bellas Artes de Madrid y el Instituto Cervantes. El TCM participa en la lectura continuada del Quijote, entre los días 24 y 26 de abril, representando 4 capítulos.

    Lectura continuada del Quijote
    Círculo de Bellas Artes de Madrid (CBA)
Proyecto internacional ITI/UNESCO

Proyecto
Genius Loci

Genius loci es la conexión de mujeres y hombres con su ambiente, cultura, deseos, es la expresión de una comunidad. Estamos convencidos de que hay un Genius Loci de Europa que se expresa a través de sus artes, sus culturas, en sus múltiples y diversas expresiones, en su «Unidad en la Diversidad».

Últimos 5 años

Estrenos de la compañía

Quixote Party

Quixote Party
Theatre in and Beyond the Time of COVID-19

Estreno (Julio 2020)

Dentro de la programación oficial del Network for Higher Education in the Performing Arts ITI/UNESCO.
Piccolo Teatro de Milán.

Quijote Party is a project carried out entirely during the pandemic and the confi nement of Covid19. Our goal was to perform this theatrical project on stage, but now the stage has moved to cities, towns and even homes of the players. They have recorded the scenes on their own, from their homes and
have made a great technical and human effort to produce their individual projects, converted them into small videos with the few means available to these brave performers.
Today, more than ever, Don Quixote’s metaphor exemplifi es the fight that every day confronts us with an invisible monster
called coronavirus.
As Don Quijote´s windmill, it launches us into the air, shakes us and threatens us to turn off the light and plunge us into shadows, uncertainty and fear. But once again, as in Don Quijote’s adventure, the answer to fear is hope, and faith in our ability to prevail, in our endurance instinct and above all, we must trust our imagination to rebuild the present and make way for the future. To fl yaway, that is our privilege!

→ Descargar proyecto

Intérpretes:
Esther Berzal Saiz (actriz)
Alícia de Pablo Sánchez (actriz)
Alícia Villora Esteve (actriz)
Daniel Borrego Aravaca (artista circense)
Dana Calderón Díaz (artista circense)
Dirección y edición: Liuba Cid
Dramaturgia: Liuba Cid/ Esther Berzal.

Dramaturgy: Liuba Cid/ Esther Berzal
Edition and Directed by Liuba Cid

Pinocho 7.0

Pinocho 7.0

Estreno (2019)

Autor: Liuba Cid
Coreografía: Ioshinobu N. Sanler
Cuadros circenses: Jorge Gallego

La versión del cuento de Carlo Collodi se presenta con una nueva fábula actualizada que cuenta la historia de un muñeco que quiere dejar de serlo para hacer las cosas que hacen los demás niños: jugar, comer helados, leer historias y tener una amiga. En una oscura fábrica de juguetes de madera, el jefe Box obliga a los niños a fabricar sin descanso la pareja de muñecos «Gos y Gor.» El misterioso señor Estrómboli los ha engatusado con falsas promesas ofreciéndoles una vida mejor sin cole, sin deberes, sin castigos. La fábrica de juguetes se encuentra al borde de la quiebra, para salvarla, el malvado Estrómboli le entrega un leño especial al jefe Box, el corazón de una vieja encina que debe transformar en el muñeco perfecto. La maquinaria vieja y defectuosa de la fábrica se estropea y…

El lenguaje de la danza y las técnicas circenses se integran en el juego dramático para dar vida a la fábula del cuento clásico de “Pinocho”, el arquetipo de un muñeco que quiere ser niño, y al que le crece de forma indiscreta la nariz
cuando dice mentiras.
En nuestro montaje hemos hecho un resert a los contenidos del relato para dar vida al cuento que ideó Collodi, más allá de la narración descubrimos una historia de superación, de amor y de amistad. Geppetto se ha transformado en un ricachón de clase media venido a menos, un fabricante de juguetes sin escrúpulos que solo piensa en talar y talar más árboles para fabricar muchos muñecos, aunque para ello tenga que destruir el Amazonas… Pinocho es un muñeco defectuoso pero dotado de una gran inteligencia emocional que le hace pensar en un mundo en el que todos podemos ser iguales, a pesar
de nuestras diferencias.
El malvado Estrómboli se presenta como un misterioso traficante sin escrúpulos, un tirano que comercia con niños esclavos a los que obliga a trabajar sin descanso en la fábrica de juguetes. El hada azul, se ha convertido en la dulce Henrriette, una niña lectora, solitaria, a la que nadie hace caso, salvo su gran amigo Pinocho. Así, nuestro Pinocho, ese niño rebelde que habita en todos nosotros, inicia un viaje que
le llevará a la madurez y quizás, a conseguir lo que se propone.

Ficha artística-técnica
Intérpretes
Pinocho: Ian Castillo (alguien que es distinto a los demás)
Jefe Box (caja): Jorge Casado (Dueño de la fábrica de muñecos “Dulces sueños”)
Perro 1: Dalila Mealla (ayudante)
Perro 2: Esther Berzal (ayudante)
Henrriette: Clara Rivillo (sobrina del Jefe Box)
Sra. Floripópolis: Paula García (esposa del Jefe Box)
Bartolino: Paloma Díez Calvo (hijo de Box y Floripópolis)
Profesoras de Pinocho
Tirania: Sonia Cánovas
Florinda: Irene Simón
Raposa: Jessica Espinosa
Escarpia: Paula García
Estrómboli: Daniel Albaladejo
Voz de la conciencia: Karmele Aramburu
Autómata: Víctor Rojo Sanz
Niños de la sección de mantenimiento: K343 Laura Díaz Ruiz / K124 Paloma Díez Calvo/
B586 Laura Gumucio García / N853 David Martín Hidalgo/ K116 Víctor Rojo Sanz
Niños de la sección de montaje: Alejandro García/ Laura Martínez/ Yuridia Rodríguez /
Luisana Castillo / Carla León / Génesis Villamán/ Vidalis De la Cruz/ Cristian Hazin/
Cesar Maekawa / Carol Brito/ Daniel Calim/ Rubén Fernández-Dávila/ Miguel Ángel
Ramirez (cover)
Muñecos y maniquíes desechables: Sara Muñoz / María López/ Lucía Llamas
Flora del Carmen/ Sofía Hoyos / Andrés Palacios Z/ Daniel Borrego/ Miguel Sánchez
de la blanca/ Samuel Rida Catalá/ Manuel López/ Lourdes moreno/ César López.

Equipo de creación
Coreografías: Ioshinobu N. Sanler
Cuadros circenses: Jorge Gallego
Espacio sonoro: Liuba Cid
Iluminación: Teatro de Cámara de Madrid
Asistente de montaje Coreográfico: Nicolás Naut
Pintura y atrezzo: Esther Berzal
Diseño gráfico y audiovisual: Betho &Viola
Profesora de Música: Pilar Ordóñez
Vestuario profesoras: La veintinueve
Confección vestuario de Circo: Pablo Seguel
Dirección artística: Ioshinou N. Sanler/ Jorge Gallego/ Liuba Cid
Puesta en escena: Liuba Cid
Compañía: Teatro de Cámara de Madrid/Ballet de Cámara de Madrid
Fundación de la Danza “Alícia Alonso”
Produce: Teatro de Cámara de Madrid
Dirección General: Alberto García Cataño
Agradecimientos: Daniel Albaladejo y Karmele Aramburu

La Zapatera

«La Zapatera»

Estreno (2019)


Versión y dirección: Rey Montesinos
Dramaturgista: Esther Berzal Saiz

Apropiándonos de esta Zapaterita, releemos con lupa graduada, al Lorca más irreverente, inquieto, fantasioso y libre. Un personaje femenino construido entre el tipo y su arquetipo, el de una criatura primaria, posiblemente como mito de nuestra pura ilusión insatisfecha.
La estructura fabulada de nuestra obra, casi vulgar en cuanto a realidad directa, fluye visiblemente por una especie de hilo poético, alterado a veces por el grito cómico y otras, por el drama de una joven mujer, que decide vivir en un pueblo español, al que llegó al contraer matrimonio con un Zapatero, un hombre veinte años mayor que ella. Nuestra heroína es mujer rural que se niega a esconder su belleza, sus maneras de amar, sus formas de entender la vida, para ser aceptada en una sociedad puritana, conservadora y castrada por dogmas provenientes de tiempos pasados e innecesarios. A los personajes originales le acompañarán también otros lorquianos, reconocibles en confesiones y parlamentos compartidos con nuestra extrovertida Zapatera, omnipresente o espectral por momentos.
Nuestra función se adentra, sin complejos, en los universos del Feminismo con marcada intensión, al abordar también entre otros temas, los derechos civiles, la igualdad, diversidad e inclusión social, sin quitarle espacio a reflexiones sobre el amor y el deseo, el matrimonio y la maternidad, el poder y sus devaneos, la soledad y la compañía. Una pieza creada y actuada en tiempos feministas, pero para todos los públicos. Una comedia violenta y extrañada por el lenguaje popular en castellano, pero de vocablos y sintaxis andaluzas, permitiendo a veces, una leve caricatura cervantina.

Amor, sueño y confusión, en una noche de verano

Amor, sueño y confusión, en una noche de verano.
Drama cómico con tintes románticos

Estreno 2018.

A partir de la obra “Sueño de una noche de verano”, de William Shakespeare el ran maestro del teatro isabelino, hemos creado una versión actualizada de esa luminosa comedia sobre el amor y sus peliros, el poder y sus acciones; sobre el destino, el caos, el orden y sus leyes. Y cómo no, una vez más, sobre el teatro dentro del teatro.
El divertido Robín (Puck), nos narra la historia sobre la venganza amorosa que en nombre de su amo trama, desatando las peripecias del resto de los mortales; víctimas de una de esas noches más confusas, oscuras y tormentosas que pudieran recordar. La controvertida disputa que mantienen sus reyes, Oberón y Titania por un niño en custodia será la principal causa a tanto desorden.

VERSIÓN Y DIRECCIÓN: Rey Montesinos
DURACIÓN: 85 min.
ARREGLOS MUSICAlES y PIANO: Gonso Sanz /Irene Simón / Clara Rivillo
DISEÑO DE LUCES Y JEFATURA TÉCNICA: Javier Otero y Enrique Pérez Velasco
ESCENOGRAFÍA: Jose Mª Utrera/ Gabriel Buenaventura/ Kiko Guerra
DISEÑO GRÁFICO: Liuba Cid

INTÉRPRETES:
Clara Rivillo/ Yolkin Perez/ Yolanda Yarez/ Adrián Oliva/
Evelyn Naranjo/ Iratxe Arrizabalo/ Paula Ruiz / Víctor Rodríguez/Jorge Casado/
Sonia Cánovas/ Paula García/ Elena Guerrero/ Jessica Espinosa/ Celia
Juárez/ Laura Sánchez/ Paula Brito/Irene Simón/ Stefanía Soto

La Commedia (non) è finita

La Commedia (non) è finita

Estreno (2018)

Inspirada en un texto de Pablo Mª de la Barrera

Una compañía ensaya el montaje de su próxima obra inspirada en una comedia de Shakespeare, pero una serie de acontecimientos precipitan la llegada del público al teatro y se ven obligados a improvisar la función. Con el vestuario sin acabar, el montaje sin terminar y la escenografía a medio camino de la carpintería; surge la idea de “jugar” a representar un poco de todos aquellos personajes que cada uno ha hecho en el pasado.
De ese baúl de máscaras la comedia se construye dejando al descubierto un secreto a voces “El teatro está en crisis. El teatro se muere irremediablemente”.
Si el teatro se estuviese muriendo, es lógico que Dionisio –dios de las artes escénicas-,estuviese nervioso; es lógico que buscase una salida; es lógico que enviase a su mejor agente a salvar la situación… Oficinas de Dionisio. Día caluroso. El teatro se nos está muriendo. Y no nos queda otra que poner patas arriba la historia del teatro para salvar el teatro..
Pongan su butaca en posición vertical y prepárense para una cariñosa bofetada
de parte de Shakespeare, Sófocles, Beckett y otros tantos.

Intérpretes
Vanesa García
Gonzalo Alarcia
Patricia Sevilla
Luisa Buitrago
Esther Berzal
Ficha técnica
Espacio escénico y dramaturgia: TCM
Vestuario: Mephisto Teatro
Espacio sonoro: Liuba Cid
Iluminación: Javier Otero
Agradecimientos:
Instituto Universitario de Danza Alicia Alonso URJC
Cía. Las manías de Nérrupa

La mujer de la fuerza

La mujer de la fuerza

Estreno (2018)

En este mundo vivido en colectivo, las palabras abandono, individualidad y soledad son cadena perpetua. Al fin y al cabo tod@s necesitamos alguien que nos salve… pero igual la respuesta está en invertir la fuerza y buscarla
dentro.
La Mujer de la Fuerza es un espectáculo resultante de una necesidad y de una urgente toma de conciencia: en el siglo XXI el acoso a la mujer y la violencia de género deben aparecer. La mujer debe estar equiparada al hombre en todos los sentidos. Esta reflexión lleva al director a comenzar el viaje de investigación de este proyecto, cuyo resultado es La Mujer de la Fuerza.
Tomando como partida el texto de Angélica Liddell, La Casa de la Fuerza, se pretende llegar a un público joven, a las nuevas generaciones, que son las que tienen que elevar a tod@s a un mismo nivel. Por eso se replantean los textos, y se añaden otros con la obligación
de ser muy actuales, como puede ser el caso de “la manada” que está en todos los telediarios actualmente. Se añaden melodías y canciones demandadas por el público joven con diferentes estilos como el reggaeton, el funk o el rap para, precisamente atraer a este público joven y concienciarlo, ya que cada vez se conocen más casos de violencia de género en edades más tempranas.
Se pretende hacer saber que las mujeres y los hombres que perseguimos la igualdad, no nos vamos a detener ante nada ni ante nadie, hasta que se consiga en todos los segmentos de nuestra sociedad y de la vida.

Versión y Dirección: Javier Otero
Adaptación sobre textos de Angelica Liddell, Sergi Belbel, Gata Cattana
Textos Originales: Nayarit Fuentes
Música: VVAA
Arreglos Musicales y Composiciones: Lucía Feijoo, Demetrio Díaz
Asesora en Técnica Vocal: Laura González
Ayudantes de Coreografía: Clara Toledo, David Fuster
Diseño de Iluminación: Javier Otero
Actúan: Violeta Baeza, Beatriz Barca, Laura Díaz, Paloma Díez, Laura Exposito, Lucía Feijoo, Nayarit Fuentes, Laura Gabeiras, Marta González, Laura Gumucio, Nerea Iguiñiz, Irene Manzanal, Valentina Pico, Niobe Tarín, Clara Toledo, Daniel Capa, David Fuster, Manuel López, David Martín, Víctor Rojo
Duración: 60 minutos

De Lorca su Bernarda

«De Lorca su Bernarda»

Estreno (2014 / 2017)
Versión y dirección de Rey Montesinos sobre textos, entrevistas y cartas de Federico G. Lorca

Un periodista entrevista a Lorca para un reportaje sobre la vida del autor. Mientras conversan,
a Federico le vienen a la cabeza escenas de la pieza que está creando en esos momentos, un drama sobre la vida de la mujer en los pueblos de España.
En estas escenas observamos las tormentosas relaciones que existen entre las hijas de Bernarda y ella misma, todas encerradas en el luto al que se ven sometidas por la férrea disciplina, costumbre y tradición. La convivencia en la casa se ve perturbada por el amor, los celos, la envidia y, sobre todo, por el ansia de libertad.

Hacia Baal

«Hacia Baal»

Estreno (2017)
Versión y dirección de Rey Montesinos sobre el texto de B. Brecht

Una reflexión metateatral, resultado de un proceso de investigación escénica sobre la obra de Bertolt Brecht.
Los miembros de una compañía teatral, invitan al público a un ensayo general de la primera pieza escrita por el Brecht más joven, anarquista, nihilista y sexualmente ambiguo. Es la historia de un poeta, particular, rebelde, transgresor y líder de masas llamado: “Baal”. Reconocido por todos como “El poeta del pueblo” , lucha por el arte libre y honesto, se entrega a la vida salvaje, huyendo de dogmas y etiquetas, convirtiéndose en el antihéroe, para destruir al héroe. El nuevo Adán a la luz de la luna…“Cuando Baal ya crecía en el seno materno, era pálido el cielo, era grande y eterno”… Pero los excesos, sus errores, los placeres nocturnos tarifados, la desidia y la indolencia, la falta de fe y el miedo al amor, hacen de su peripecia, sin darse cuenta, la huida hacia la soledad menos deseada.

La cáscara amarga

La Cáscara Amarga

Estreno (2016)

Adaptación basada en la novela de Jesús Ruiz Mantilla.
Música: VVAA
Dirección: Javier Otero.
Asistente de Dirección: Ana Mercy Alonso.
Sinopsis: Emilia, de golpe, debe aprender en la calle el significado de lo que siente: hambre, abandono, soledad, enfermedad, guerra, muerte… La niña que de pronto ve como su vida se derrumba, despojada de su madre, presa del infierno de Saturrarán al finalizar la guerra, a expensas de la intemperie y sorteando la tragedia con sus hermanos. La supervivencia de unos muchachos y su madre como elemento fundamental de esta pieza y la lucha por la unidad de los seres queridos.
Adaptación para teatro de la Novela de Jesús Ruiz Mantilla La Cáscara Amarga, Dirección teatral y coreografía. Montaje de teatro inmersivo estrenado en La Carcel (de mujeres) Centro de Creación de la Ciudad de Segovia, España, durante el Festival Segovia en Danza de 2016 y como clausura del Festival de Teatro Universitario de la red UNITWIN, organizado por la Universidad de Georgetown
junto con el ITI España en el marco del 35 Congreso del Instituto Internacional del Teatro celebrado en Julio de 2017.
Profunda investigación sobre la posguerra civil española dando lugar a este espectáculo innovador de teatro inmersivo que se caracteriza por la simultaneidad de escenas, donde el público se mueve por el espacio escénico y elige libremente que ver y desde dónde lo ve, llegando a una explosión de emoción conjunta, pero con un recorrido muy diferente que se hace totalmente único por la experiencia vivida por parte de cada uno de los espectadores.
Duración: 90 Minutos.
Número Intérpretes: 20.

Yo Segismundo

«Yo Segismundo»

Estreno (2016)
Versión y dirección de Rey Montesinos sobre textos de Calderón de la Barca
«El hombre que vive sueña lo que es hasta despertar» dice Calderón en boca de Segismundo. Apropiándonos de este universo filosófico, contamos la historia de un hombre que despierta en medio de una realidad soñada.
Reflexión sobre el ser humano y el poder, sus deseos, sus acciones, el bien, el mal… el dedo en una de esas heridas que duelen, porque se han curado mal… Y un pueblo que ansía salvar ese gran teatro en que se ha convertido el mundo que habita. Un clásico del Siglo de Oro Español revisitado con ojos que viven en la España del Siglo XXI.

Bacantes

Bacantes

Estreno (2015)

Bacantes
Autor: Eurípides
Adaptación, Dirección y Coreografía: Javier Otero
Música: VVAA
Duración:60 minutos

Sinopsis: Mas vale lo malo conocido que lo bueno por conocer. Tragedia griega que
incide en cómo somos manejados y utilizados por el poder.

 

Psicosis a las 4:48

Psicosis a las 4:48


Estreno (2014/15)

Autora: Sarah Kane
Adaptación, Dirección y Coreografía: Javier Otero
Música: VVAA
Diseño de Iluminación y Audiovisuales: Javier Otero y Enrique P. Velasco
Duración: 60 minutos

Sinopsis: “Me he vuelto tan desesperada al pensar en mi mortalidad que he decidido suicidarme”. ”Yo no estoy aquí y nunca estuve”. Sarah Kane se suicidó al terminar de escribir este texto. De manera autobiográfica nos muestra el dilema de la existencia del ser y como cuerpo y alma no pueden estar unidos completamente.
Esta versión de Teatro Físico profundiza en eso mismo, en como el alma necesita salir de un cuerpo en el que no cabe, que esta creado demasiado diminuto para ella.
Las 4:48 es la hora en la que el efecto de los medicamentos se desvanece, es cuando realmente el personaje tiene todo su motor en funcionamiento y es el momento que decide terminar con su vida.